«Al massimo... Massimo», scritto e diretto da Antonio Grosso

Roma, Teatro Cometa Off

13 novembre 2026

TROISI, MALINCONIE E SORRISI DI UN CECHOV PARTENOPEO

Che Antonio Grosso ci mostri scampoli della vita di Totò o di Massimo Troisi poco cambia a livello stilistico: lo spettacolo mantiene imperturbabile la cifra pirotecnica dell’autore e regista. Eppure, i protagonisti dei suoi copioni sono nomi assai invadenti nel panorama comico nazionale, tanto che potrebbero facilmente prendere il sopravvento. Grosso, invece, saggiamente riesce a tenerli a giusta distanza dalle sue idee per il palcoscenico, dal suo modo di concepire il teatro, cosicché si assiste a un vero e proprio omaggio e non a una banale riproduzione dell’originale che inevitabilmente diventerebbe una parodia condita di macchiettismi. Anche qui, come nell’altro, l’autore approfondisce il lato meno conosciuto del personaggio principale, prendendo in esame il periodo della giovinezza sin dal primo vagito a San Giorgio a Cremano, in maniera da poter avere campo libero sull’immaginazione. A inizio spettacolo si precisa, infatti, che Al massimo… Massimo è «liberamente ispirato al periodo giovanile» dell’attore scomparso a soli 41 anni, e che «alcuni episodi sono romanzati», ma, in realtà, nemmeno troppo.

«Non si sa come» di Luigi Pirandello (Regia di Paolo Valerio)

Roma, Teatro Quirino

12 novembre 2026

ROMEO DADDI COME OPPOSTO DI ERSILIA DREI

La regia di Paolo Valerio mi ha assai stupito servendomi la convinzione che i personaggi dell’opera pirandelliana sono, bene o male, legati tra loro, imbrigliati in una ragnatela sulla quale tutti si scrutano vicendevolmente e si osservano senza poter fuggire lo sguardo dell’altro. Così, mentre in palcoscenico i ruoli secondari (che poi tanto secondari non sono) sin da subito hanno cominciato a togliersi qualche indumento, lasciandolo cadere a terra come fosse un pezzo di sé, Romeo Daddi insisteva a rimanere perfettamente vestito, indossando in casa finanche un impermeabile. Una simbologia, trattandosi di Pirandello, abbastanza chiara sull’uso della maschera che ciascuno di noi mette per trovarsi un posto in società, ma che qui è ribaltata. Cosicché, mentre Respi, Ginevra e Bice, dialogando, pervenivano a una accomodante soluzione del caso, a tutti conveniente pur di stemperare la gravità dei peccati (ovviamente sessuali) accaduti Non si sa come (1934, l’anno del Nobel), il protagonista restava docile e folle nella sua convinzione, perché lui, e soltanto lui, s’era levato la maschera già prima di entrare in scena, deciso a smascherare gli altri, che soltanto per personale tornaconto acconsentivano a denudarsi.

«Closer» di Patrick Marber (Regia di Fabrizio Coniglio)

Roma, Teatro Ambra Jovinelli

11 novembre 2026

TRASLOCHI A SCENA APERTA!

Prima che si spegnessero le luci, scorgendo il pubblico in sala, ho avuto la sensazione che si potesse trattare di un’operazione commerciale. È andata molto peggio! Finalmente a sipario aperto, una scena completamente grigia, delimitata ai lati da alti muri un po’ inquietanti, ciascuno con una porta girevole, e parecchi ingombri geometrici dalle forme più improprie, accatastati in ordine sparso, hanno subito sancito che con quel colore dal passato un po’ travagliato e con quelle anomale sagome dalla severità tipica di poliedri ubriachi, di commerciale non poteva sopravvivere nulla: nemmeno la popolare faccia della star televisiva. Eppure, tra il nome di Paolo Kessisoglu e il titolo sul manifesto che, oltre vent’anni fa, ci presentò un affascinante film sui tradimenti di coppia, con quattro straordinari attori, poteva diventare un consistente evento di mercato. Invece, soprattutto Fabrizio Coniglio, con la sua goffa regia, ne ha fatto un vero pastrocchio, complice una scenografia totalmente inappropriata.

«Life is a flower» di Bianchi/Ronco (Regia di R. Latagliata)

Roma, Piccolo Eliseo

10 novembre 2026

IL FIORE DELLA VITA È LA CATASTROFE!

Nel 1978, Manlio Santanelli scrisse «Uscita d’emergenza» (in questi giorni riproposta al San Ferdinando di Napoli da Nando Paone e Vincenzo Ferrera; un lavoro che ci auguriamo raggiunga quanto prima i palcoscenici romani) nel quale i due protagonisti, Cirillo e Pacebbene, vivono rifugiati in un appartamento diroccato e abbandonato, in forte stato di precarietà: l’angoscia per gli effetti catastrofici del bradisismo li terrorizza tenendoli sempre sul chi va là. La loro convivenza coatta si misura quotidianamente su sospetti reciproci, ripicche, giochi psicologici e ricordi assai dolorosi. Insieme affrontano il vuoto delle loro esistenze fallite, in cui paura e cattiveria prendono il sopravvento. È una storia napoletana moderna, di appena 50 anni fa, ma tocca sentimenti e fobie ancestrali. Tutto diventa primitivo quando si tratta di vivere nel panico.

«Viaggio a Hong Kong», testo e regia di Pascal Rambert

Roma, Teatro India

8 novembre 2026

«AVVERTO L’INFERNO DELLA TUA MANCANZA»

Ci sono autori che dovrebbero fare un monumento a certi attori che portano in scena i loro testi; che ne hanno il coraggio e che sono capaci di rintracciare il senso teatrale del testo sul filo di una recitazione completamente surreale: fatta di sussurri, di tenui fiati, di stupori eleganti, di pensieri sognanti, di sottile umorismo quasi impercettibile ma costante. Se non fosse per la delicatezza e l’intelligenza interpretativa di Sandro Lombardi, la lunga lettera d’amore, scritta da Pascal Rambert e disperatamente indirizzata all’assenza della persona amata, dopo pochi minuti, avrebbe potuto prendere facilmente il viale del tedio. Al termine di una giornata assai festosa e faticosa, in quel di Hong Kong, dove uno scrittore (in questa versione) italiano è stato insignito con un premio letterario ed è stato ricevuto da una delegazione del posto che lo ha onorato con un maestoso pranzo ufficiale, con tanto di fagiano a centro tavola, per ricordare il famoso gallo cedrone che appare in suo romanzo, al termine di questa giornata, dicevo, l’illustre letterato, rientrato in camera d’albergo, è già deciso ad andare incontro alla morte per riabbracciare il compagno della vita scomparso un anno prima.

«Lenny» di Giuseppe Pavia (Regia di A. Avallone)

Roma, Teatro Marconi

7 novembre 2026

BRUCE, DA SOLO, CONTRO LA REPRESSIONE DELLA PAROLA

Dietro le cinque grandi lettere che, mentre il pubblico prende posto, magnifiche e luminose svettano in palcoscenico, componendo il nome di Lenny, di cui Giuseppe Pavia vuol raccontare la storia, si nascondono le scene. Alessandro Chiti usa le prime due per dar l’idea di un camerino di un night club e le ultime due per rappresentare il bar del locale, lasciando la N centrale come elemento fisso. Sono girevoli spinti a mano dagli attori, i quali, entrando e uscendo, preparano l’ambiente dove recitare per poi rivoltarlo di nuovo verso le quinte. La commedia lambisce le due ore e i «cambi di scena» non sono pochi, quindi, passata la prima ventata che potrebbe avere il sapore della solita novità, il peso e la ripetizione dei movimenti creano un certo sovraccarico, forse addirittura un ritardo eccessivo nei tempi, mentre lo stile del testo e la regia che lo accompagna desiderano un po’ più di scioltezza, di leggerezza, di sveltezza.

«U.B.U. Ultime bellicose unioni» scritto e diretto da Giulia Trippetta

Roma, Spazio Diamante

5 novembre 2026

UNA COPPIA IN PROGNOSI RISERVATA

«Cosa siamo disposti a sacrificare di noi stessi per non perdere la persona che amiamo?» È la domanda che Giulia Trippetta pone come postulato che precede l’inizio della contesa in una coppia ormai scoppiata e già in «prognosi riservata», in balia dei tentativi di rianimazione sentimentale da parte della psicologia. Lui e lei intraprendono un percorso di terapia assai intensiva, oserei dire, per cercare di salvare il salvabile, ma più ai due si chiede di scavare nei meandri dei silenzi accumulati in 18 anni di convivenza e meno possibilità di ricominciare sorgono all’orizzonte. L’idea di portare in palcoscenico la comune difficoltà di sopravvivenza affettiva, la rinomata crisi di coppia, anche se non è inedita, potrebbe riscuotere consensi. D’altronde le premesse ci sono: entrambi gli attori hanno partecipato allo spettacolo pluripremiato alle Maschere di settembre; entrambi hanno riscosso i successi che meritano in progetti di ottima fattura; entrambi conoscono bene il mestiere e il modo di far teatro. Eppure…

«Otello» di Shakespeare (Regia di Luca De Fusco)

Roma, Teatro Argentina

4 novembre 2026

«MAI DOLCEZZA FU COSÌ FATALE»

Atto V. Scena II. Desdemona giace dormiente nel letto. Otello è deciso a ucciderla, ma l’animo suo nobile, che giunge direttamente dai lontani echi della Colchide, è pronto piuttosto a sacrificarla, così come Medea sacrifica i figli in nome della più cieca gelosia. Un sacrificio non è mai un omicidio, almeno a teatro. Ed è in quel momento che il Moro, baciando per l’ultima volta la donna che ama, sussurra «Mai dolcezza fu così fatale». Parole che Shakespeare reinterpreta direttamente dal canto dantesco di Paolo e Francesca, e che oggi per molti potrebbero risuonare stonate, ma che in realtà qui rafforzano l’inganno teso da Iago. In questa edizione di Otello, firmata Luca De Fusco, che ufficialmente apre la stagione del teatro Argentina, Luca Lazzareschi, nel ruolo del perfido alfiere, infatti, sembra farne un uso personale rivestendo la sua malvagità di una, spietata e calcolata, fatale dolcezza. Solo così il personaggio riesce a rendere credibili quei sentimenti di rancore che cova per la sua inadeguatezza: ribaltando in affettuosa delicatezza l’odio e l’invidia nei confronti di Otello; sfumature emotive che nella sua stringatissima traduzione, Gianni Garrera ha lasciato all’immaginazione di chi già conosce gli animi dei protagonisti shakespeariani.

«Spettri» di Henrik Ibsen (Regia di W. Pagliaro)

Roma, Teatro dei Documenti

1° novembre 2026

GLI SPETTRI STRISCIANO TRA UN AVVERBIO E UNA CONGIUNZIONE!

È evidente che qualcosa non funzioni in questa versione di Spettri, ripresa di un allestimento di qualche anno fa: come se non fosse passata sotto la solita mano del maestro. Le regie di Walter Pagliaro mantengono un’impronta classica, sì, ma sempre lucida, che qui purtroppo è mancata. Quasi tre ore che ne sembrano otto: e tutto è asservito alla recitazione di Micaela Esdra nel ruolo della vedova Alving, che con cappello e bacchetta appare come un prestigiatore dal livello inferiore del teatro dei Documenti. Già la disposizione dei mobili, con sei lettini ordinati e schierati in fila collegiale, fanno presagire a un uso convenzionale dello spazio scenico: la recita è impostata verso uno solo dei lati lunghi della grande sala; quindi, il pubblico, che solitamente siede intorno al ring, invece, è disposto sull’unica gradinata frontale. Gli attori sono lì, a pochi centimetri, e l’assenza di distanza accentua e soffoca tutte le sfumature che soprattutto la protagonista sottolinea fino all’esasperazione.

«Escaped alone» di Caryl Churchill (lacasadargilla)

Roma, Teatro Valle

30 ottobre 2026

UNA SVAGATA CHIACCHIERATA IN GIARDINO TRA UN TÈ E UN OMICIDIO

Prima di raggiungere la platea, siamo rimasti incantati dai crediti esposti in locandina: oltre ai nomi delle quattro attrici, tutte molto brave, e a una regia fatta a quattro mani da Lisa Ferlazzo Natoli e Alessandro Ferroni, troviamo i «paesaggi sonori», la «drammaturgia del movimento», gli «ambienti visivi», la «drammaturgia delle luci», l’«accompagnamento alla ricerca», definizioni che sul pianeta teatrale, fino a qualche anno fa, erano totalmente sconosciute. Qui le hanno messe tutte insieme, tanto che ci eravamo predisposti ad assistere a uno spettacolo lunare. Il mio amico musicista, che il teatro lo mastica da più di mezzo secolo, s’è convinto che i «paesaggi sonori» sono opere di musicisti che non sanno tenere il pennello in mano o di pittori che non sanno leggere le note, ma – attenzione – potrebbe anche essere un incastro letto al contrario! La conferma di questi dubbi arriva dagli incarichi segnalati da Anna Missaglia, da Marco Rossi e Francesca Sgariboldi che usano un termine classico (ossia, serio) per identificare con chiarezza il loro ruolo: così lo spettatore capisce bene chi ha ideato i «costumi» e chi le «scene». Il resto casca in pasto alla libera interpretazione e ai malevoli sghignazzi!