«Storia di un cinghiale», scritto e diretto da Gabriel Calderón

Roma, Sala Umberto

13 ottobre 2026

«IL MIO REGNO PER UNO SPETTATORE INTELLIGENTE»

È certamente di stampo shakesperiano il grido finale che l’attore lancia al cielo, prima del buio: «Il mio regno per uno spettatore intelligente»: peccato che si tratti del regno di un commediante e non quello di un sovrano, altrimenti un piccolo sforzo, magari, l’avremmo fatto. E chissà quanti spettatori sarebbero subito corsi a leggere un libro, quello che Montanari più volte, durante lo spettacolo, indica come manna per saltare il fosso dell’ignoranza comune, pur di avere un posto prenotato a corte. Ma in realtà Gabriel Calderón, autore dell’ottimo monologo e attento regista, auspica quale luogo di salvezza tutt’altro empireo. Storia di un cinghiale, infatti, vuol essere soprattutto un’invettiva contro l’analfabetismo intellettuale che mortifica la nostra epoca: una denuncia spietata, più che feroce, portata avanti alla maniera dei comici dell’arte, dove i fendenti delle parole raggiungono il pubblico tra lazzi e confessioni personali, tra sfoghi rabbiosi e versi poetici che ingannano l’uditorio. Tuttavia, nel racconto si evince chiaramente che nessuno è perfetto: neanche gli attori son messi meglio, neanche i registi, né i direttori artistici e nemmeno i costumisti: ciascuno pronto a dare sfoggio della propria ignoranza, sempre, anche quando si sfrutta quella altrui per ingannare l’ascoltatore!

Riflessione su «La figlia di Kioto Zhang» (M. Odierna)

Roma, Teatro Belli

10 ottobre 2026

L’IMPORTANZA DI ESSERE IN PALCOSCENICO

Il giorno del mio 61° compleanno, approfittando di una comoda pomeridiana trasteverina, al Belli, sono tornato a rivedere La figlia di Kioto Zhang, un valzer scoppiettante di follie del nostro quotidiano, in cui, tra vizi, sconcezze ed esasperazioni, Massimo Odierna disegna, in stile caricaturale, la parossistica solitudine di una società allo sbando. Ma questo scritto non vuole aver la pretesa di essere una recensione, già pubblicata lo scorso giugno (leggere qui), quando vidi lo spettacolo sotto il capannone dello Spazio Recherche: sarebbe una ripetizione degli elogi già esposti all’epoca; vuole, invece, essere una riflessione sull’importanza dello spazio scenico.

«Anche in casa si possono provare emozioni forti», scritto e diretto da Caterina Filograno

Roma, Teatro India

9 ottobre 2026

LE LACRIME DI SANGUE DEL MATRIARCATO

Visivamente Giuseppe Di Morabito realizza per Anche in casa si possono provare emozioni forti, spettacolo che apre la stagione del Teatro India, un ensemble di scene e costumi stilisticamente sofisticato e cromaticamente audace. Il risultato è eccellente: armonia ed eleganza passeggiano altere a braccetto sul palco, anche se il defilé delle modelle talvolta ruba la ribalta al carattere dei personaggi. Ciò accade perché il talento dello stilista viene lasciato libero di spettacolarizzare per sé, senza essere imbrigliato dalla mano di una regia più energica ed esperta; che, anzi, si lascia con compiacimento addomesticare dall’estetica e dal fascino. E proprio la forte impronta visiva fa venire a galla tutte le pecche di un testo parateatrale, più che teatrale, nonostante l’autrice firmi in locandina la «drammaturgia». Una drammaturgia che mantiene la classica patina della narrazione, entrando poche volte nel vivo di un dialogo più acceso. Sarà per questo che tra le cinque api regine, in scena, ho apprezzato molto i brevi interventi di Gloria Busti, la sorella minore un po’ «maschiaccia», vestita à la garçon, l’unica che portava un colore spontaneo alle parole, l’unica che ha usato la recitazione asciutta senza condirla con una gestualità artefatta e manieristica: per rimanere in tema, direi, démodé!

«Materiale rotabile» di Anonimo genovese (lettura)

Roma, Spazio Diamante

8 ottobre 2026

L’AVVOLTOIO E ALTRI EPIGRAMMI IN PROSA

Coinvolto da una sollecitazione amica ad assistere a un evento assai «raccolto», pensavo di trovarmi di fronte a qualcosa di teatrale, magari intimistica: d’altronde lo Spazio Diamante da anni ci ha abituato a novità, anche imprevedibili, ma certamente sempre attinenti al mondo del teatro. Per questo, forse, sono rimasto un po’ deluso: l’unico elemento davvero teatrale è stato un raffinato inedito fondale di Emanuele Luzzati, teso dietro ai leggii, sul quale, con il tipico tocco giocoso da illustratore, lo scenografo genovese sembra voler raccontare con un disegno d’animazione la sua città ai più piccoli. Ed ecco che tra le foglie di un grande albero centrale, dal sapor di cuccagna, si riconoscono la chiesa di San Matteo, la cattedrale di San Lorenzo con il leone disteso, Palazzo Ducale, la chiesa di San Pietro in Banchi, e in primo piano un Paganini con violino in spalla; in fondo, dopo uno squarcio di mare, s’erge la Lanterna e, se si osserva attentamente, da una piccola finestra che affaccia in uno dei caruggi, si scorge un viso piuttosto familiare: è un tenero autoritratto, in forma di caricatura, dell’autore. Il quale donò il prezioso telo a Rita Cirio, storica firma della rubrica dedicata al palcoscenico dell’Espresso di Zanetti, qui in veste di organizzatrice della lettura di Materiale rotabile, pubblicazione firmata in locandina da Anonimo genovese, ma sulla copertina del libro spicca la sigla LB 93, laddove le lettere corrispondono alle iniziali del nome dello scrittore, e il 93 è la data di nascita, 9 marzo. Altre informazioni sulla identità dell’autore restano accuratamente segrete.

«Il vecchietto dove lo metto», scritto e diretto da Veronica Meddi

Roma, Cometa Off

5 ottobre 2026

QUANDO IL TEATRO È ANCHE UMANITÀ E FRATELLANZA

Arrivano da dietro le quinte, dorate e un po’ kitsch come quelle che facevano da cornice a Liza Minnelli in calze velate e bombetta, ma loro, pur se curvi e tremolanti, chi appoggiandosi al bastone, chi al girello, chi al braccio della badante, cercano ugualmente con timida determinazione le luci della ribalta. Tutti con le parrucche canute, ma affatto stanche: la voglia di esibirsi vestiti e truccati da vecchietti è una novità troppo divertente e sincera da trasmettere fin sulle punte dei capelli (finti), con il proprio batticuore (quello vero) e teatrali ammiccamenti.

«Non comparse», scritto e diretto da M. De Pinto e S. Oppedisano

Roma, Teatro Tor Bella Monaca

4 ottobre 2026

LA NEONATA REPUBBLICA CHE OSCURÒ LE NOSTRE EROINE

C’era una volta la Resistenza, quella partigiana, cominciata subito dopo l’8 settembre 1943, quella che al sud passò come una violenta ventata di sollievo con le truppe Alleate pronte a intervenire, mentre al centro della penisola, e soprattutto al nord, la lotta contro i nazisti costò la vita a oltre 40.000 patrioti, morti per riconquistare il Tricolore. Marianna De Pinto e Simona Oppedisano, insieme, con simpatia e preparazione documentata, portano avanti la loro lezione di storia volta a testimoniare la presenza attiva delle donne durante il movimento di Liberazione. Secondo i dati dell’Anpi, Associazione nazionale partigiani italiani, «le donne partigiane combattenti furono 35 mila, e 70 mila fecero parte dei Gruppi di difesa della Donna. 4653 di loro furono arrestate e torturate, oltre 2750 vennero deportate in Germania, 2812 fucilate o impiccate. 1070 caddero in combattimento.» Cifre che la Storia, soprattutto quella insegnata a scuola, troppo spesso dimentica, relegando le protagoniste di una importantissima pagina nazionale al ruolo di comparse: anzi, Non comparse, quindi nascoste; forse, per molte di loro, addirittura, mai apparse.

«Le supplici» di Eschilo (regia, A. Evangelisti)

 

Roma, Teatro Ateneo

Università «La Sapienza»

2 ottobre 2026

«ZEUS CI PROTEGGA DA UN MATRIMONIO ABOMINEVOLE»

Non si devono fare paragoni tra gli spettacoli – è regola fondamentale – anche se coordinati dalla stessa mano registica. Eppure, è proprio il ricordo del sorprendente «Edipo a Colono», ammirato esattamente un anno fa, sempre al Teatro Ateneo, che ha fatto crescere le aspettative per queste Supplici che Adriano Evangelisti porta in scena grazie a un folto gruppo di studenti universitari, di cui 17 si sono occupati della traduzione e 25 hanno dato vita alle voci in scena. E proprio i pregi che più avevano meravigliato lo scorso anno, stavolta sono parsi il punto debole: la pulizia e la precisione del coro. Pecca maggiormente insidiosa perché nella tragedia di Eschilo il coro è protagonista. Se manca la scansione precisa delle frasi, i suoni si impastano e si perde gran parte del dialogo. È vero che stiamo facendo il «contropelo» ad attori non professionisti, ma i colleghi universitari, reduci nell’ottobre 2025 dalle rovine di Colono, risultarono integerrimi sia nel ritmo che nella dizione del verso.

«Tragudia», ideato e diretto da Alessandro Serra

Roma, Teatro Vascello

29 settembre 2026

IL CANTO GRECANICO DI EDIPO, UOMO GIUSTO

L’opera ideata e portata in scena da Alessandro Serra è un’implorazione disperata per la sopravvivenza dell’antichità, o forse addirittura dell’eternità, quella che molti chiamano mito, e che oggi giustamente si sente minacciata da eventi sovrumani che rischiano di annientarla. Dalle macerie di questa tragedia risorge Il canto di Edipo, come canto di un cigno millenario, a ricordare che egli fu l’uomo che ebbe il coraggio di riconoscere i propri errori, le proprie debolezze, giudicando severamente la viltà della propria superbia e delle proprie nefandezze. Edipo, quale atto di espiazione e riconoscimento della passata cecità morale e intellettuale, si acceca fisicamente e chiede di essere esiliato, sottomettendosi alle sue stesse leggi. In questo modo egli stesso santifica la Giustizia in omnia saecula saeculorum. In Tragudia (testo in cui le opere di Sofocle dedicate al figlio di Laio vengono fuse), Edipo diventa il prototipo dell’uomo giusto, colui che oggi è in via di estinzione.

«Eneide: la tregua» da Virgilio (regia, M. Tarasco)

Roma, Sala Raffaello

26 settembre 2026

ANCHE VIRGILIO SA CHE LA PACE È NOIOSA

Matteo Tarasco, con La tregua, completa il laboratorio teatrale sull’Eneide, riproposto alla Sala Raffaello come un trittico, in cui vengono riletti alcuni canti del poema virgiliano. Dei tre, il sottoscritto ne ha visti due: in entrambi, le premesse annunciate dal regista, che firma anche la drammaturgia, sono rimaste disattese. Il progetto riporta come sottotitolo «Teatro della migrazione»: da questo concetto che vede Enea quale migrante che fugge dal disagio che offre la sua terra dopo l’incendio di Troia, si sviluppa il facile paragone con gli immigrati che oggi lasciano il proprio continente per raggiungere lidi più ospitali. Nelle intenzioni di Tarasco fa breccia anche la necessità per gli uomini di progredire grazie a un continuo movimento (vedi il viaggio di Ulisse, oltre a quello di Enea, fino a quello di Dante); inoltre punta il dito sulla crudeltà della guerra, di cui, però, il mito ne descrive da sempre gloria, eroismo e sofferenza.

«Lo strano caso del dottor Jekyll e del signor Hyde» (regia, Fabio Condemi)

Roma, Teatro Vascello

23 settembre 2026

IL DIALOGO MANCATO TRA MALE E BENE

La stagione di prosa del Vascello si apre con un monologo dal titolo altisonante, la cui fama gode di una dualità pari a quella dei fantomatici personaggi dello Strano caso del dottor Jekyll e del signor Hyde: da una parte il celeberrimo romanzo di Robert L. Stevenson, dall’altra il film di Victor Fleming (con Spencer Tracy, Ingrid Bergman e Lana Turner). Ma se la trasposizione cinematografica, benché fascinosa, tradì, e non poco, l’originale dimenticandosi del protagonista del racconto, questa versione per il palcoscenico, realizzata da Fabio Condemi, invece, viene condotta proprio come scritta dall’autore nel 1866. La narrazione, infatti, è affidata all’avvocato Gabriel John Utterson, interpretato con precisione chirurgica da Christian La Rosa, il quale più che portare avanti una bizzarra storia di un uomo malvagio che sovente sparisce nel nulla, tanto da farsi soprannominare Mr. Nascondino (in inglese Hyde suona come to hide, nascondere), preferisce lasciarsi andare a strane considerazioni sulla doppia personalità di ogni essere umano.