«Una relazione per un’Accademia», da Franz Kafka

Roma, Teatro India

30 marzo 2025

IL PRIMATE DI MARINELLI BALLA SULLE NOTE DI CAROSONE

Se Gregor Samsa, trasformatosi all’improvviso in un gigantesco coleottero, è il prototipo del personaggio kafkiano, se Joseph K., inspiegabilmente arrestato per cui deve difendersi da un’accusa che non conosce, è colui che, meglio di altri, rappresenta il soggetto di una situazione kafkiana, una scimmia che subisce una metamorfi fisica opposta a quella di Gregor (da animale a uomo) e arriva ad essere invitata dai membri di un’Accademia a tenere una relazione sulla sua esperienza e sulla vita precedente, una scimmia così, dicevo, diventa la summa del ritratto del panorama letterario di Franz Kafka.

«Bianco», di Giuseppe Tantillo

Roma, Teatro Belli

29 marzo 2025

UN INVITO A NON SEPPELLIRSI NEI GIORNI FELICI

Difficile riuscire a pensare che la più brutta malattia abbia un colore, difficilissimo poi poter immaginare che sia vestita di bianco, «come una sposa il giorno del matrimonio». Eppure, quando si osservano le cellule guaste, esse paiono tingersi proprio di bianco, e, come una sposa davanti all’altare, resta lì, attaccata al suo uomo, finché morte non li separi. Le infinite sfumature di Bianco contengono anche questa possibilità, che più che un colore è una macchia, alla quale non si pensa mai, ma che, quando arriva, non si cancella più, nemmeno se sparisce. Giuseppe Tantillo ci accompagna in un viaggio senza tempo: potrebbe essere consumato in un lampo, come in un anno o in dieci, o forse più. L’incontro che descrive tra Mia e Lucio potrebbe essere reale, ma anche soltanto il bagliore di una speranza di lei o di lui. O forse, come sembra dalle apparenze, di entrambi.

«La pulce nell’orecchio», di Georges Feydeau

Roma, Teatro Vascello

28 marzo 2025

HÔTEL FEYDEAU, DOVE LA FOLLIA DIVENTA L’ARTE PER SOPRAVVIVERE

Finalmente una regia che con franchezza dichiara di non volersi prendere sul serio e che affronta il gioco del teatro con la sapienza dei fanciulli e con l’entusiasmo del divertimento e della leggerezza. In scena, una compagnia di dodici attori affiatatissimi che sanno dosare l’arte del jouer le role con il giusto spirito giocoso che è alla base del «facciamo finta che tu sei la moglie, lui è il marito e l’altro è l’amante». Il merito va a Carmelo Rifici che fa apparire il divertissement come fosse un’improvvisata, dall’aria talvolta ostentatamente maldestra o azzardata, mentre invece è un perfetto meccanismo di tempi, movimenti, battute e gag con ingressi e sostituzioni che si avvicendano di continuo. L’idea della regia si appoggia su un gran classico del vaudeville francese: La pulce nell’orecchio che Georges Feydeau scrisse nel 1907 per svelare quei desideri di trasgressione che fanno parte della nostra vita quotidiana: tutti vorremmo evadere, ma tutti vorremmo rimanere fedeli. È il «sentimento del contrario» che, come sostiene Pirandello, diventa il distintivo umoristico che Feydeau traduce, attraverso i suoi personaggi, con «l’avvertimento del contrario» suscitando esilarante comicità.

«Ti ho sposato per allegria», di Natalia Ginzburg

Roma, Teatro Quirino

27 marzo 2025

UN MATRIMONIO ALL’INSEGNA DELLA STRAVAGANZA

La lettura che Emilio Russo ha prediletto (e realizzato poi in scena) di Ti ho sposato per allegria soffre della stessa constatazione che il regista ammette pubblicamente nelle note che scrive di suo pugno. Secondo lui l’opera di Natalia Ginzburg è «Stuzzicante. Gustosa. Stratificata. Come la parmigiana di melanzane che, chissà perché, è l’unico menù previsto…». Probabilmente il desiderio di sole estivo e il profumo di un piatto casalingo e prelibato hanno avuto la meglio sulla complessità del rapporto tra Giuliana e Pietro. La conferma giunge dal fatto che nelle note di regia manca la parola più importante, divorzio, fondamentale per comprendere un legame matrimoniale che è conseguenza di un’allegria che – già nel titolo – sta ad indicare un’imperdonabile superficialità. La commedia è stata scritta nel 1965, in pieno subbuglio politico tra i partiti progressisti che si battevano contro la reazionaria volontà della Democrazia Cristiana tenacemente opposta alla possibilità di una legge sul divorzio. Legge che fu approvata in parlamento nel 1970 e rimessa subito in discussione fino al definitivo referendum popolare sull’eventuale abrogazione del 1974. Ben nove anni di contestazioni nazionali prima di arrivare a una sentenza definitiva.

«Erodiade», di Giovanni Testori

Roma, Teatro Vascello

25 marzo 2025

FRANCESCA BENEDETTI,
E LA PAROLA SI FECE SANGUE

Al teatro Vascello, due serate dedicate a Francesca Benedetti, novant’anni a novembre prossimo. Al termine della performance la platea gremita è esultante, tutta in piedi, e le tributa un’ovazione: «Sento davanti a me un tale muro d’amore che non riesco a trattenere la commozione», dice l’attrice ringraziando. Si è appena alzata dal trono che l’ha tenuta prigioniera di un demonio per oltre un’ora. Erodiade, monologo di Giovanni Testori che la Benedetti porta in scena ormai da tempo. È Marco Carniti che, con un’attenta regia fatta di immagini, la sostiene; anzi, verrebbe da dire, che la trattiene, tanto è potente l’ardore dell’interprete che rispecchia fedelmente le intenzioni della scrittura. Il personaggio ideato da Testori è una furia e incarna l’odio più violento, è un vulcano che erutta livore e l’attrice non si risparmia nel mostrare l’intimità dei sentimenti più reconditi: l’odio per la figlia, la rabbia per aver fallito l’incontro della vita, il veleno nei confronti di Erode. L’invidia, tanta invidia, per la bellezza di Salomé, perché la sua, ormai, è sepolta.

«Visita al padre», di Norm Forster. Lettura

Roma, Teatro Argentina

24 marzo 2025

QUANDO L’ALZHEIMER DIVENTA FONTE DI VERITÀ INAUDITA

Non dirò un’assurdità, anche se tale potrebbe apparire, se confesso che dopo lo spettacolo ho sentito un forte desiderio di correre a casa per mangiare del formaggio. Non era fame, piuttosto il modo più istintivo e naturale di partecipare, ancora, al dramma (sotto forma di lettura) che avevo ascoltato all’Argentina. Sì, perché nel momento in cui Donald, il vecchio padre, a cui ha dato voce un dolcissimo e spiritoso Massimo De Francovich, racconta il momento più sconvolgente della sua esistenza, la tanto attesa verità, lo fa chiedendo con capricciosa insistenza un pezzo di formaggio che in quell’istante rappresenta l’unica ragion di vita, il sostentamento di ogni sua necessità. Così, l’ingombro pesantissimo che il vecchio sta finalmente rivelando, dopo sette anni di indagini del figlio, su un segreto che egli nasconde da circa quarant’anni, passa in secondo piano, come fosse la cronaca di una serena gita domenicale e non come una liberazione epocale. Ed ecco che, mentre gustavo il mio boccone di formaggio, ho avvertito il compiacimento di aver partecipato a quella confessione «spericolata» e inaudita, a cui volevo offrire solidarietà e comprensione, convivialità e fratellanza.

«Favole di Oscar Wilde», uno spettacolo di Giancarlo Sepe

Roma, Teatro La Comunità

22 marzo 2025

PER COMINCIARE A LEGGERE IL NOSTRO ANIMO

L’atmosfera delle favole appartiene a Giancarlo Sepe come una parola al vocabolario. Gli appartiene per natura intellettuale, per concepimento mentale ed emotivo; e da lì non può scappare, perché Sepe si è appoggiato attorno a questa passione, che è un capolavoro di astrazione, e le ha donato concretezza. Già entrando nel suo teatro sembra di immergersi in un antro favolistico in bianco e nero, dove alle pareti svetta l’immagine della favola cólta, della favola surrealista, i cui protagonisti sono sempre adulti destinati all’afflizione di dover guardare la realtà da un osservatorio assai infantile e puro. E in occasione dell’omaggio a Oscar Wilde – spettacolo che torna in scena a 24 anni dal suo debutto – è palese il riscontro. Si entra, infatti, in una giostra che sarà avvolta dal buio, facendoci diventare gli oggetti del dissidio di un gioco per bambini guastato da un diversivo per adulti: lo stesso contrasto che si verifica tra il piacere distensivo offerto dall’ascolto di una favola annunciata e la sensazione claustrofobica che avvolge lo spettatore durante la visione.

«Guerre», di Louis-Ferdinand Céline

Roma, Ar. Ma Teatro

21 marzo 2025

«LA GUERRA È CHIUSA NELLA MIA TESTA»

Se si dovesse fare una recensione si dovrebbe crocefiggere l’iniziativa che è ancora da perfezionare e forse più. Ma stavolta me ne astengo. E il motivo c’è. Allora dirò che questa non vuol essere una critica, piuttosto il resoconto di una serata molto interessante. E preciserò anche che Ivan Festa ha avuto l’accortezza di intrattenersi, al termine della performance, per condividere la sua idea e per ascoltare le perplessità di chi lo ha seguito con attenzione. La materia trattata è consistente, potente, storica e vale la pena sostenere sia il progetto che l’esecutore. Difficilmente potrà assumere la forma spettacolare di una rappresentazione, ma Guerre (mi raccomando: è da leggere alla francese!), quando metterà le ali, sarà certamente una bella novità scenica, letteraria certamente, ma soprattutto sarà una descrizione poetica di un capitolo inedito della Grande guerra.

«Sior Todero Brontolon», di Carlo Goldoni

Roma, Teatro Quirino

20 marzo 2025

IL VECCHIO FASTIDIOSO TRA LE MARIONETTE DEI PODRECCA

Ci sarà anche un lavoro commissionato sul testo – lo si evince dalla locandina di questa messinscena che attribuisce a Piermario Vescovo la drammaturgia – per una «rinfrescata», ma in generale nelle commedie di Carlo Goldoni raramente si avvertono gli acciacchi dell’età. Eppure, Sior Todero Brontolon è stata rappresentata per la prima volta nel 1762. Duecento sessantatré anni, e non ne dimostra neanche la metà, anzi, sembra tanto vispa da sembrar giovinetta ancora! È la caratteristica dei grandi autori della commedia, i quali, più che da una storia, cominciano dal personaggio, i cui vizi non tramontano mai restando immutati per l’eternità. Il vecchio fastidioso è il sottotitolo scelto da Goldoni per descrivere meglio il carattere del protagonista: «avaro, superbo, ostinato», sono parole di Marcolina, che dipingono l’animo di Teodoro, padre padrone. Brontolone, infatti, è il soprannome «che spiega e mette in ridicolo il di lui carattere inquieto, fastidioso, indiscreto», scrive l’autore. Oggi lo si definirebbe un adepto del più tenace patriarcato: colui che gestisce gli affari economici in casa e quindi detiene anche il monopolio delle decisioni altrui fino alla terza generazione.

«Sei personaggi in cerca d’autore», di Luigi Pirandello

Roma, Teatro Argentina

19 marzo 2025

UN PADRE PIENO DI RIMORSI, CHE STRISCIA NELLA VERGOGNA

Sei personaggi in cerca d’autore, grazie a quel debutto molto contestato al Teatro Valle nel 1921, resta tra le opere teatrali la più interessante e sorprendente della modernità. Alla lettura sfiora la perfezione: è l’unica, infatti, che tenta di far rappresentare un dramma dai suoi stessi personaggi; è la sola che mette in discussione la possibile imperfezione degli attori che, interpretando un ruolo, son pronti a caratterizzarlo, ciascuno a suo modo, allontanandosi dall’originale. Tutte le altre opere, invece, si indentificano nel gioco della finzione, dando per scontato che le parole di un autore passino attraverso un commediante che ne dà una sua versione e ne costruisce un suo «pupo». Luigi Pirandello invece portò alla ribalta un problema, all’epoca nuovo, da sbrogliare: un enigma da allora tante volte affrontato e sempre più ingarbugliato. Un problema che fino ad oggi non s’è mai potuto risolvere, ma che Valerio Binasco con la sua messinscena ha maggiormente evidenziato e sottoposto a una drastica e accurata revisione.

«La lettera», di e con Paolo Nani

Roma, teatro Vittoria

18 marzo 2025

TRA QUENEAU E CHAPLIN, LO STILE DI UN CLOWN SENZA TEMPO

Raymond Queneau nel 1947 scrisse «Esercizi di stile», un libro assai particolare, nel quale la storia narrata si riduce a un brevissimo sketch addirittura incompiuto: un uomo su un autobus si lamenta con chi lo spinge e, appena si libera un posto a sedere, si accomoda. Dopo qualche ora i due tornano a incrociarsi casualmente alla stazione. Finito. La particolarità a cui il volume deve la sua fama, è che il tema si ripete per 99 volte, sempre lo stesso, ma riproposto dall’autore ogni volta con uno stile differente: a seconda di come si usano le parole e talvolta le lettere di ogni singolo vocabolo, il lettore riceverà un’emozione diversa. Nel 1992 Nullo Facchini e Paolo Nani ipotizzano che uno spettacolo teatrale, basato sullo stesso principio, possa essere un’accattivante novità. Così nasce la storia di un uomo che si siede a un tavolo, versa del vino in un bicchiere, lo assaggia, ne resta disgustato e lo sputa; guarda un vecchio ritratto in bianco e nero della nonna, prende carta e penna, scrive la lettera, la piega, la imbusta e la affranca; ma quando sta per uscire gli viene il sospetto che la penna che ha usato possa essere priva di inchiostro; riapre la busta e, preso atto che il foglio è ancora candido esce deluso.

«Fanny», di Rebecca Déraspe

Roma, Teatro Tor Bella Monaca

16 marzo 2025

A GIORDANI, IL TAPIRO D’ORO PER IL MICROFONO RAZIONATO

In tempi di siccità ci siam dovuti piegare al razionamento dell’acqua, in tempi di guerra abbiamo affrontato il disagio del razionamento del pane, in tempi di austerity ci siamo abituati al razionamento della benzina, ma il razionamento dei microfoni ci trova assolutamente impreparati. Partecipammo ai delicati sospiri della Cortese, partecipammo ai gracili sussurri di Eduardo, partecipammo al timbro tonante di Gassman e al grammelot di Fo, partecipammo con irruenta protesta alle amplificazioni di Carmelo Bene, ma il razionamento dei microfoni ci trova assolutamente impreparati. Protestammo per i microfoni che riproducevano i passi più della tosse, protestammo per i microfoni gracchianti incastrati sotto il colletto della camicia, protestammo per i microfoni altisonanti e quelli con l’eco incorporato, ma i microfoni a controllo limitato ci lasciano perplessi e disarmati.

«Giulio Cesare», di William Shakespeare

Roma, Area archeologica di

largo di Torre Argentina

15 marzo 2025, Idi di marzo

UN’ALTRA OCCASIONE PERSA, MA POLITICAMENTE SFRUTTATA!

Disorganizzazione, distanza eccessiva e caos cittadino hanno affossato un’iniziativa in teoria fantastica. Cari attori, non è colpa vostra

Facendo la più semplice delle ricerche su Google, incrociando cioè i nomi di Giulio Cesare, Argentina e Faiella (l’attore protagonista), si ha la giusta impressione di come l’evento sia stato promosso: sono migliaia i siti internet che riportano la notizia. Con quanto impegno, evidentemente, qualcuno s’è dato da fare per conquistare le pagine web e dei quotidiani affinché il mondo sapesse che a Roma i festeggiamenti delle Idi di marzo quest’anno prevedessero un’occasione unica e imperdibile; «senza precedenti» è stato scritto. Per la prima volta, infatti, nell’Area sacra di largo di Torre Argentina, proprio davanti al teatro di prosa più importante della Capitale, è andato in scena il Giulio Cesare di William Shakespeare. È storicamente tramandato che nel 44 a.C. il console più amato dell’antica Roma fu assassinato, proprio in questi giorni, nei pressi di quel tempio della Fortuna del dì presente che si erge al centro dell’area in forma circolare. Studi più approfonditi stabilirono che Cesare fu accoltellato alle spalle di quel tempio, sotto la Curia di Pompeo, dove spesso si riunivano i senatori.

«Prima della prova», Shakespeare/Colizzi

Roma, Il Cantiere Teatrale

14 marzo 2025

I VERSI CHE CI ACCOMPAGNANO SULL’ISOLA CHE NON C’È

Con il Riccardo III di Shakespeare ci si prepara ad affrontare la prova. Franco Mannella spiega subito al pubblico in sala, che è a digiuno delle nozioni primordiali su come si comincia a costruire uno spettacolo teatrale, il significato di Prima della prova. Anzi, Mannella usa il passato, visto che questa buona abitudine oggi è caduta in disuso, e ricorda i tempi di quando i registi della «vecchia scuola» riunivano per la prima volta la compagnia attorno a un tavolino e leggevano loro il copione agli attori. Una lettura spesso sporca, a volte stonata, anche disturbata, ma valida per un approccio letterario attraverso il quale si accedeva, tutti insieme, passando per un’unica porta. Come se il regista dicesse: «Seguitemi, vi accompagno io all’ingresso». Non era ancora una prova, ma un preambolo che offriva opportunità al maestro di dare le indicazioni di base, tanto generiche quanto provvisorie, ma essenziali per iniziare lo studio da un unico punto di vista, cosicché tutti poi potessero parlare lo stesso linguaggio e intendersi meglio.

«Il golem», di Juan Mayorga

Roma, Teatro India

13 marzo 2025

PROPAGANDA AL CLOROFORMIO

A volte le note di regia vengono lette troppo superficialmente; invece, occorre fare più attenzione e cercare di individuare, tra le righe, la frase che è stata scritta per avvertirci, per metterci in allerta, quella che poi riletta a fine spettacolo, ti fa sospirare, sotto forma di autoimprecazione: «Me l’aveva pure detto!». La verità è che le note di regia, purtroppo, hanno il difetto di farsi comprendere bene soltanto dopo, quando si lascia la platea e il peggio è già passato. La frase che ho sottovalutato, o forse sopravvalutato, volendole attribuire un significato esclusivamente intellettuale, è: «La parola che crea e distrugge». Chissà perché non avevo considerato il significato scenico dell’avvertimento. La parola in teatro può creare opere meravigliose: da Eschilo a Euripide, da Shakespeare a Molière fino a Goldoni e tanti altri, tutti autori di capolavori d’eccellenza. La stessa parola, però, può anche distruggere e far crollare, in una manciata di secondi, interesse, entusiasmo e concentrazione.

«Moby Dick alla prova», di Orson Welles

Roma, Teatro Vascello

11 marzo 2025

IL PEQUOD NEI MAROSI DEL COVID

Quando un’opera di teatro è scritta in versi e lo spettacolo acquista spessore drammatico soltanto dalle parti musicali, non è un buon segno. Eppure, il Moby Dick alla prova, proposto da Elio De Capitani, è impresa costruita con una vivace inventiva e molta precisione, tanto impegno e seria professionalità; peccato, però, che il criterio intellettuale di partenza, ambiguo ma calzante, appena uscito dal porto di un prologo palpitante di buone intenzioni, in pieno oceano, naufraghi clamorosamente in un contesto dal retrogusto circense. Non conosco l’originale di Orson Welles, ma sospetto che, durante la stesura dell’adattamento, gli artefici si siano lasciati prendere la mano da un certo squilibrato spirito piratesco più che dalla intransigenza della poesia che, per quanto sia a volte impalpabile, mantiene un tessuto letterario assai severo e concreto.

«non era così», un ritratto di Luca Ronconi

Roma, Teatro Argentina

10 marzo 2025

«L’UOMO CHE VIVE SOGNA IL RE, IL SUO TRONO E VIVE NELL’INGANNO»

A dieci anni dalla scomparsa, il Teatro di Roma ricorda il grande regista con una serata evento «per celebrare l’eredità di un maestro che ha rivoluzionato il teatro europeo con il suo genio e la sua instancabile ricerca»

Luca Ronconi ha diretto il Teatro Stabile di Roma dal 1994 al 1999 portando sul palcoscenico dell’Argentina spettacoli memorabili, e ieri sera quello stesso palcoscenico gli ha reso omaggio a dieci anni dalla scomparsa. Era doveroso per Roma ricordare uno dei più importanti protagonisti del nostro teatro del secondo Novecento. Se non il più grande, certamente il più coraggioso: quello delle sfide impossibili, il regista degli spettacoli interminabili, quello che forse ha osato di più approfittare della pazienza degli spettatori tenendoli ore e ore inchiodati alla poltrona con opere maestose e allestimenti sempre imprevedibili. A dar voce al suo teatro, cinque star: Annamaria Guarnieri, Laura Marinoni, Massimo De Francovich, Giovanni Crippa e Massimo Popolizio. Coordinati da Giacomo Bisordi, ciascuno, da solo o in coppia, ha letto, ha declamato, celebrato, rispolverato, rievocato, riecheggiato – non saprei, la parola giusta sceglietela voi – quel teatro che una volta «non era così» come lo si fa oggi, ma era un’altra emozione, e non soltanto perché eravamo più giovani, ma perché dietro quel teatro c’erano grandi maestri, tra cui Luca Ronconi, classe 1933.

«Le cinque rose di Jennifer», di Ruccello/Gleijeses

Roma, Teatro India

8 marzo 2025

PIÙ ECCENTRICA E «STRAFOTTENTE» LA JENNIFER DI GEPPY

Nelle mani di Geppy Gleijeses, Jennifer cambia i connotati in maniera drastica. La creatura di Annibale Ruccello, forse quella che più rappresenta la fantasia intima e lo stile dell’autore, si spoglia completamente del lato poetico e astratto per vestirsi di un sapore forte di Mediterraneo. Sogni e speranze rivivono in lei, non più come immagini liriche, come strazianti vuoti sentimentali, ma prendono corpo in una realtà cruda e violenta. È un’esigenza che l’attore, più del regista, ha sentito per adattare il personaggio alla sua fisicità, al suo essere uomo in toto. Cosicché Gleijeses ha dovuto compiere una trasformazione doppia: prima «diventando» donna e poi personaggio. Per arrivare a questa trasfigurazione, il regista s’è preoccupato giustamente di collocare Jennifer in un ambiente dove ogni oggetto è reale e ogni azione realistica. Dal telefono al fornello, dall’olio al pomodoro, dalla sigaretta al caffè, tutto è spudoratamente autentico, finanche nelle sue funzioni. Quando la «donna» mette la moka sul fuoco, dopo un po’ si vede il fumo che esce dall’interno e si sente l’acqua gorgogliare.

«L’uomo dei sogni», di Giampiero Rappa

Roma, Sala Umberto

7 marzo 2025

JOE BLACK, BRACCATO ANCHE DAI PROPRI FANTASMI

L’opera di Giampiero Rappa viene pubblicizzata al pubblico come «una commedia divertente e surreale che sfida l’incubo della vita reale». A parte un breve prologo, assai arguto e ironico, sull’importanza del mondo onirico, proposto da due operatori del sindacato dei sogni, i quali giustamente fanno notare quanto lavoro non retribuito ci sia nel distribuire e controllare i sogni di tutti, e che si tratta quasi sempre di lavoro notturno, a parte questo breve prologo, certamente «divertente e surreale», L’uomo dei sogni rispecchia fedelmente il dramma di un’immensa moltitudine di individui del nostro tempo. I temi affrontati sono precisi e scanditi con pacata severità: solitudine, depressione, egoismo, paura di affrontare la realtà, terrore di relazionarsi col prossimo, difficoltà di guardare serenamente il proprio passato e impossibilità di programmare un futuro, e – ciliegina sulla torta – una forte propensione all’incomunicabilità, perfino con i figli. Insomma, ce n’è per tutti. E non sono argomenti da ridere, tutt’altro!

«Overload», Sotterraneo

Roma, Spazio Diamante

6 marzo 2025

UN’ORA DI DELIRIO DA ATASSIA CEREBELLARE DA PALCOSCENICO

Quando l’attrice comunica al pubblico che lo spettacolo è finito, comincia quella parte che gli antichi chiamavano esodo, ossia l’ultimo canto del coro. Nella tradizione della tragedia greca è la parte riservata al Deus ex machina, mentre in Overload è la parte riservata all’automobile. La compagnia si riunisce in scena al completo, ciascuno prende posto nell’abitacolo di una ipotetica vettura e partono insieme alla volta di una meta sconosciuta. Il viaggio non dura molto, ma il racconto, sia per drammaturgia, sia per intensità di recitazione, sia per pathos, cattura lo spettatore, afferra la sua attenzione e lo porta – senza fiato – fino al suono dell’ultima sillaba. In questo breve concertato a cinque accade che gli autori (il testo è firmato nel suo concepimento dal nome della compagnia, Sotterraneo, anche se la scrittura è di Daniele Villa) descrivano un episodio che non fa parte del nostro quotidiano vissuto, delle nostre abitudini, delle nostre cattive prestazioni; è un episodio per molti nuovo, benché conosciuto da tutti, e certamente mai nessuno l’ha sentito narrato con tanti particolari da renderlo addirittura affascinante nella sua crudeltà. Ebbene, l’esodo di «Overload» è l’unica parte interessante dello spettacolo; l’unica ben recitata, l’unica costruita con arguzia teatrale: la più innovativa, la più drammatica, la sola che riesce a catturare l’attenzione dell’intera platea. Applausi assicurati!

«Edipo re», di Sofocle/De Rosa

Roma, Teatro Vascello

5 marzo 2025

NELLA TEBE DI DE ROSA SUONA UN’ORCHESTRA DI LUCI

I teorici della letteratura individuarono alcuni valori per determinare il carattere romantico di un uomo. Facilmente si giunse alla conclusione che i romantici non potevano essere raggruppati in un unico periodo storico, quello che solitamente si fa coincidere con la fine del XVIII e la prima metà del secolo successivo, ma che invece sarebbe stato più corretto affermare che ogni periodo aveva i suoi romantici, i quali attribuivano massima importanza all’integrità d’animo, alla sincerità e alla disponibilità a sacrificare la vita per un ideale. In Edipo re, questi valori, ci sono tutti: è lui che minaccia la pena dell’esilio per l’autore dell’uccisione di Laio (integrità di sovrano); è lui che vuole arrivare alla verità allorquando i sospetti lo vedono coinvolto (sincerità d’animo); ed è lui che al finale, constatata la sua colpevolezza, chiede di essere esiliato (disponibilità a sacrificare la vita per mantener fede al principio enunciato all’inizio). Edipo è un re moralmente integerrimo, colpevole solo perché gli dèi lo hanno costretto all’errore con un inganno. Se Edipo avesse saputo che Laio fosse suo padre, non l’avrebbe mai assassinato. Se non fosse stato trascinato nel delitto di uno sconosciuto a causa di una volontà superiore non sarebbe mai caduto in fallo e non avrebbe mai attirato la sciagura su di sé. Dunque Edipo, fuori dal mito, ha tutte le caratteristiche per essere un personaggio romantico.

«Pietro Orlandi, fratello», di Giovanni Franci

Roma, Off/Off Theatre

4 marzo 2025

«SE LE PORTAVA A LETTO»

Quando uno spettacolo teatrale è in prova, il regista può tranquillamente fermare gli attori e dire: «Scusate, non ho capito bene. Ripetiamo la scena, per favore». Soltanto così si può riascoltare quel breve brano che l’orecchio non è riuscito a captare perfettamente. La mancanza di questo privilegio, che spetta esclusivamente a chi dirige l’allestimento, ieri sera, s’è fatto sentire. Ma non perché l’attore avesse sbagliato o non fosse stato chiaro nella dizione, ma per il motivo sconcertante che certe frasi, certi passaggi dell’inchiesta portata avanti dalle parole di Pietro Orlandi, fratello (testo del 2023) di Emanuela, cittadina vaticana, scomparsa a 15 anni il 22 giugno 1983, avrebbero dovuto essere ripetuti, e ripetuti ancora, per gli incredibili sospetti che lanciavano all’indirizzo del Papa in persona. Fatti gravissimi e trascritti fedelmente da Giovanni Franci in quella che lui stesso chiama una stand-up tragedy.

Teatro Eliseo

L’ingresso del teatro Eliseo in via Nazionale. Foto scattata la sera del 4 marzo 2025, ore 20.09. Questa è la miglior critica allo spettacolo che ha debuttato (martedì 4/3/2025, ore 20.00) al Teatro Argentina, protagonista Luca Barbareschi che, sul primo palcoscenico della Capitale, ha potuto festeggiare i cinque anni di chiusura e di degrado

Eliseo, storia di un teatro chiuso da cinque anni (prima parte)

Eliseo, storia di un teatro chiuso da cinque anni (seconda parte)

Eliseo, storia di un teatro chiuso da cinque anni (terza parte)

«Fino alle stelle!», di Agnese Fallongo

Roma, Teatro Roma

2 marzo 2025

PAESE CHE VAI, CANZONE CHE TROVI!

Ogni spettacolo fa storia a sé e nessuna rappresentazione deve dipendere da un’altra o ad altra far riferimento. Cosicché anche Fino alle stelle! vive autonomamente, nonostante faccia parte di una trilogia, e, di questa, sia lo spettacolo di congiunzione: ossia, quello che è legato ad ambo le parti e che dovrebbe mantenere solida l’unione di una terna sulla povertà del secolo scorso in chiave popolare; invece, dei tre, malgrado sia quello di mezzo, sembra essere il più indipendente, il più slegato, il più «sbarazzino». Se in Letizia va alla guerra il motore trainante era la scrittura drammaturgica, mentre ne I Mezzalira, a crear fascino, era l’abilità degli interpreti, impegnati i diversi ruoli con travestimenti repentini, qui sono i ritmi, quelli incessanti tipici del vecchio avanspettacolo, a tirare la carretta e a farla correre oltreoceano, anzi scorrere piacevolmente sulla nave che li trasporta.

«Per amore dell’amore», di Caroline Pagani

Roma, Auditorium,

Teatro Studio Borgna

1° marzo 2025

RICORDO DI HERBERT PAGANI, POETA DELLA «NUMERO TRE»

«Io lavoro al bar di un albergo a ore, porto su il caffè a chi fa l’amore». In quella stanza «numero tre» di un Albergo a ore non meglio identificato, si amò una delle coppie destinate a diventare tra le più famose del mondo, ma i loro nomi nessuno li ha mai scoperti. Sono immortalati nei versi di Herbert Pagani che nel 1969 immaginò, con parole scritte sulla musica di Marguerite Monnot, l’incontro segreto di due amanti che hanno fatto della loro ultima notte un inno straziante per gli innamorati clandestini. Per l’amore dell’amore è il titolo dello spettacolo che la «sorellina Caroline» regala alla memoria del «suo fratellone Herbert», scomparso nel 1988 a soli 44 anni.

«Qué será», di Alessia Ferrero

Roma, Centro Artemia

28 febbraio 2025

LA POESIA IN PALCOSCENICO DEVE DIVENTARE DRAMMA

Alessia Ferrero è una giovanissima autrice e una regista debuttante. Sente la necessità di scrivere e dimostra una certa predilezione per la scrittura teatrale. Anche lei, come tanti, trova ispirazione nei fatti vissuti o nelle storie di famiglia: ed ecco che è nato Qué será, docili isterismi per due spose terrorizzate, presentato al Centro Artemia per «SperimentArti Donna», rassegna di teatro sperimentale al femminile, curata da Paola Canepa. In realtà, di sperimentale, l’operazione ha ben poco, anzi, sia dialoghi che regia si stringono attorno a canoni e schemi abbastanza tradizionali. Cosa c’è, infatti di più tradizionale del matrimonio? Le ansie provate da Elsa e da Amelia non sono, però, determinate dall’ipotesi di cambiar vita, cioè di uscire da casa di mamma e papà per trasferirsi in quella del marito, ma più dal terrore di dover affrontare la celebrazione del matrimonio, di pronunciarne finanche la parola, tanto questa fu (il passato è d’obbligo) enfatizzata.